20 Filme über Doppelgänger und Doppelgänger (2023)

In einer Kultur, in der Selfies mit dem Handy gemacht werden, kann man sich kaum eine Zeit vorstellen, in der die Menschen Angst vor ihrem eigenen Image hatten. Facebook-Walls und Instagram-Feeds hingegen widersprechen dem weitaus längeren Teil der Menschheitsgeschichte: Ein perfektes Abbild von sich selbst zu sehen, war ein unheimliches, ja sogar unmögliches Ereignis, was durch den Glauben einiger einheimischer Stämme in den frühen Tagen der Fotografie veranschaulicht wird. dass es dir die Seele nehmen könnte. Oder vielleicht waren sie einfach sehr vorsichtig, was den Besitz ihres Markenimages angeht.

Wie dem auch sei, es gibt einen weit gefassten Begriff für das Phänomen – der, wie alle besten Terminologien, ein Lehnwort aus dem Deutschen ist – die Doppelgängertheorie, die in der Veröffentlichung dieser Woche umgeht.Denis Villeneuve'S "Feind” (Unsere hervorragende TIFF-Rezension finden Sie hier) so gründlich wie dasJosé SaramagoQuellenroman. Denn während der Doppelgänger gelegentlich eine schelmische oder betrügerische Veranlagung haben kann, ist es häufiger eine schreckliche Erfahrung, den eigenen Doppelgänger zu sehen, manchmal sogar der Vorbote des Todes. Angesichts solch mythischer Wurzeln und einer so engen Verbindung zu den Faksimiles, die die Technologie des Kinos hervorbringen konnte, ist es vielleicht kein Wunder, dass die filmische Tradition des Doppelgängers so lang und vielfältig ist. Außerdem scheint es gerade einen zeitgeistigen Moment zu erleben: nach „Enemy“Richard Ayoade'Sgleichermaßen lohnenswert„Der Doppelgänger” in der HauptrolleJesse Eisenbergwird auch in etwa einem Monat eröffnet.

Tatsächlich hatten wir große Anstrengungen, diese Liste irgendwie überschaubar zu halten, und so haben wir einfach nach unserem Bauchgefühl entschieden, was wir aufgenommen haben und was nicht. Obwohl wir versucht haben, unsere Auswahl so eklektisch zu treffen, wie es der Kanon erfordert, ist es in Wirklichkeit die thematische Resonanz der Doppelgängertheorie, die uns nach wie vor am meisten fasziniert: die kraftvollen, gelegentlich philosophischen Fragen, die sie über die Natur der Identität, die Seele und deren Bedeutung aufwerfen kann Für unser Selbstverständnis geht es nicht nur darum, ein Mensch zu sein, nicht nur darum, wichtig zu sein, sondern darum, zu seineinzigartig. Hier sind 20 gute und schlechte Filme, die sich auf komische, dramatische oder meist gruselige Weise mit diesen Ideen auseinandersetzen.

„Schwindel” (1958)
Die Heiligsprechung vonHitchcockist klassisch alsBild und Tonist der „größte Film aller Zeiten“(nachdem es gekippt hatWelles„“Citizen Kane„“ von diesem Glockenturm im Jahr 2013) lässt einen leicht vergessen, was für ein zutiefst beschissener, sagenhaft verdrehter Film es wirklich ist. Er wird oft als der persönlichste Film des Regisseurs bezeichnet und zeigt den ultimativen filmischen Jedermann.James Stewart, als der gebrochene, erstarrende, entschieden unheldenhafte Scotty (wir dürfen nicht vergessen, dass es ihm im Laufe des Films nicht gelingt, drei verschiedene Menschen vor dem Tod zu retten). Er verbindet sich mit der Welt nur durch eine verdrehte Obsession mit einer Frau, die selbst nicht real ist (sie ist eine Schöpfung, die ihn verführen und faszinieren soll), und nach ihrem Tod trifft er zufällig auf ihren Partner und verwandelt sich in ein Monster der Kontrolle und eines Sklave seiner eigenen schlimmsten Natur (Mann, windet sich dieser Film herrlich in den dunkelsten Winkeln der Psyche). Fast zu Noir für Noir, es ist natürlich auch der ultimative Doppelfilm, da Scotty sich daran macht, Madeleine neu zu verfilmen (Kim Novak, deren leichtes Selbstbewusstsein als Schauspielerin hier hervorragend funktioniert und uns die Spaltung zwischen Judy und „Madeleine“ und sogar zwischen „Madeleine“ und dem wahren Opfer der ursprünglichen Handlung nie vergessen lässt. Die vielleicht brillanteste Wendung in diesem kühnen Film ist jedoch, dass Hitchcock einen Ton schleichender Angst erzeugt, und zwar so geschickt, dass selbst dann, wenn wir entdecken, dass das Mysterium nicht den übernatürlichen Aspekt hat, der so lange gehänselt wurde, wir Wir sind so weit im Kaninchenloch von Scottys perverser Psychologie, dass wir sowieso ziemlich verfolgt werden. [A+]

„Das Doppelleben der Véronique” (1991)
Wenn das Doppel-/Doppelgänger-Genre oft vollgestopft mit gruseligen, psychologischen Horror-Untertönen ist, die sich mit der Identität, dem Kampf um geistige Gesundheit und ähnlichen Mindfuck-Schrecken befassen, dann ist das soKrzysztof Kieslowskiist das genaue Gegenteil. WieAndrei Tarkowski'S "Solaris“ (und in geringerem Maße auch das Remake) hat Kieslowskis Untersuchung der Dualität eine viel metaphysischere, spirituellere und existentiellere Ausrichtung (ähnlich wie die meisten seiner Werke). Ohne jemals Science-Fiction- oder Genre-Tropen zu verwenden, beschäftigte sich der polnische Filmemacher stets mit den Geheimnissen des Universums und der intuitiven menschlichen Natur – wie etwa dem unheimlichen Gefühl hinter Dingen wie Déjà-vu – und „Veronique“ war nicht anders. Seine schöne MuseIrene Jacob(der auch in seinem letzten Werk mitspielen würde"Rot“) spielt die Rollen zweier Frauen, die unauflöslich, aber auf mysteriöse Weise miteinander verbunden sind und nur kurz interagieren. Eine davon ist Weronika, eine junge polnische Sängerin, die plötzlich stirbt, kurz nachdem sie ihren Doppelgänger auf einem Krakauer Platz gesehen hat. Ihr Doppelgänger ist Véronique, eine französische Musiklehrerin, die ebenso plötzlich von einer erdrückenden existenziellen Traurigkeit erfasst wird, die, wie der Film andeutet, die unbewusste Trauer ist, die sie empfindet, wenn ihre andere Hälfte stirbt. Rhythmisch rätselhaft, herrlich schwer fassbar und zutiefst sinnlich, hinter all der ausdrucksstarken Stimmung verbirgt sich ein zutiefst bewegendes und zum Nachdenken anregendes Bild. Und wie alle Kieslowski-Filme verrät der Film keine seiner Absichten, sondern hinterlässt beim Zuschauer eine wunderbar schillernde und poetische Andeutung des obskuren Inneren eines Menschen. Eine wunderschöne und hypnotische Fabel über Liebe, Menschlichkeit und das Selbst, „Das Doppelleben der Véronique„ist eines von Kieslowskis vielen Meisterwerken über das mystische menschliche Unbewusste. [A]

„Das Prestige” (2006)
Wenn Sie dachten: „Beginn„war ein Wahnsinnsfick,Christopher nolan„The Prestige“ könnte es einfach übertreffen, in einer labyrinthischen Geschichte über rivalisierende Zauberer und die verzweifelten Anstrengungen, die beide unternehmen, um einen Trick zu finden. Basierend auf dem großartigenChristopher PriesterRoman mit dem gleichen Namen (selbst nachdem wir das Buch gelesen hatten, brauchten wir ein paar Runden mit dem Film, um seine phantasmagorisch komplexe Handlung zu entwirren), wimmelt es im Film förmlich von Doppelgängern und Doppelgängern, bis zu einer endgültigen Enthüllung, die tatsächlich weniger ist faszinierender als einige der anderen Wendungen, die auf dem Weg passiert sind. Insbesondere die von Nikola Tesla gebaute Maschine (David Bowiein einigen der meisten „Ja, bitte!“ Casting überhaupt), um The Great Danton zu ermöglichen (Hugh Jackman), um die des Professors nachzuahmen (Christian Bale) „Transported Man“-Trick, bei dem er verschwindet und augenblicklich auf der anderen Seite der Bühne wieder auftaucht. Während jeder Mann seine eigene doppelte Nebenhandlung hat, ist das vielleicht interessanteste Metathema, wie sich diese großen Rivalen auch gegenseitig widerspiegeln, was sich insbesondere in ihren obsessiven, aber gefühllosen Beziehungen zu ihren Frauen und Liebhabern widerspiegelt (Piper Perabo, Rebecca HallUndScarlett Johansson). Der Film ist reich an historischen Details, wunderschön gedreht und gespielt, er versucht zwar zu viele Saltos, um die Landung zu verhindern, und einige seiner Themen gehen möglicherweise verloren, wenn wir uns damit abmühen, herauszufinden, welche Version davon, wer was getan hat, aber es ist immer noch ein wunderbar vielschichtiges Rätsel Eine Filmschachtel mit einem Science-Fiction-Touch, der ihm einen unheimlichen Ton verleiht, der der Gruseligkeit des Romans völlig treu bleibt und doch auch einzigartig Nolan ist. [B+]

„Der Mann, der sich selbst verfolgte” (1970)
Dies ist ein Paradebeispiel für einen Doppelgängerfilm, der sich so sehr in seiner Prämisse verstrickt, dass es ihm schwer fällt, einen Ausweg zu findenRoger MooreCurio, inszeniert von einem produktiven britischen RegisseurBasil Deardenhat es heutzutage vielleicht mehr zu empfehlen für Moore-Fans (wem?dieser Trailerscheint sicherlich zu spielen) und als Zeitkapsel für seine gut gedrehten Londoner Drehorte. Als tatsächliche Geschichte hält sie jedoch kaum zusammen: Ein steifer, respektabler Familienvater stirbt kurz, wird dann aber wiederbelebt, um schließlich durch eine ganze Menge „Aber ich habe dich gestern gesehen!“ zu erkennen. „Nein, hast du nicht!“-artige Begegnungen, dass er von einem Doppelgänger verfolgt wird. Darüber hinaus scheint das Double immer weltmännischer und höflicher zu werden, während er immer mehr auseinanderfällt (und mit Moore war unsere höfliche O-Meter-Nadel zeitweise nicht auf dem Zifferblatt) und prahlt mit einer heißen Freundin und einem Flash-Auto und ein Händchen für Snooker. Das Tempo ist schleppend, und die schauspielerischen Leistungen sind, abgesehen von Moore, der ein Spiel ist, dürftig, aber die Art und Weise, wie der Film aufgebaut ist, hat genug Brio aus den späten Sechzigern (viele Rotfilter und extreme Nahaufnahmen, um Fragmentierungszustände zu verdeutlichen). Geist), um es unterhaltsam genug zu machen. Erwarten Sie einfach keine Lösung, die das Rätsel zwischen Wahnsinn und physischem Doppel auf annähernd zufriedenstellende Weise löst. [C]

„Tödliche Frau” (2002)
Doppelgänger prägen die Filmografie von De Palma großzügig (sowie „Besessenheit” was auf dieser Liste steht, es gibt „Körperdouble, „ „Gekleidet zum Töten,” „Kain erwecken" und selbst "Unmögliche Mission” hat diese Masken), und es ist bekannt, dass er sie mit einigermaßen anständiger Wirkung einsetzt und es ihm ermöglicht, seine Hitchcockschen Impulse in anzügliche Geschichten über zersplitterte Identitäten zu kanalisieren. „Femme Fatale“ ist jedoch nicht einer dieser Momente, da der Doppelgänger hier als nutzlos konstruierter Handlungspunkt in einer bereits überdehnten Erzählung fungiert, die [Spoiler Alarm] stellt sich ohnehin größtenteils als Traum heraus. Verrat an ihrem Team nach einem verwickelten Juwelenraub imFilmfestspiele von Cannes, die sexy Laure (Rebecca Roman) versteckt sich sexy, wird aber mit einer anderen sexy Frau verwechselt, die praktischerweise Selbstmord begeht und dabei einen Reisepass und ein Flugticket zurücklässt. Alles ist gut, bis sie Jahre später, inzwischen verheiratet und wohlhabend, nach Paris zurückkehrt und ihre alte Bande ihre Spur erneut aufnimmt. Und dann kommt es zu dieser gewaltigen Wendung, die die Augen verdreht, und wir sind mit der ganzen Sache wieder fast am Anfang, bevor etwas ebenso Unglaubwürdiges passiert und der Film beschließt, zu enden. Im Gegensatz zu den De-Palma-Apologeten, die darauf bestehen, dass dies alles furchtbar wissenswert ist und deshalb großen Spaß macht, wirkt die geradezu blasige Albernheit des Films für uns einfach respektlos gegenüber dem Gehirn des Publikums, obwohl wir zugeben müssen, dass Rebecca Romijns Striptease ein Klassiker dieses zweifelhaften Kanons bleibt . [D+/C-]

„Naht” (1993)
Auch wenn wir normalerweise keine Fans von Filmen sind, bei denen Stil über Substanz geht, gibt es ein paar Gelegenheiten, in denen der Stil mehr oder weniger zum Inhalt wird, und „Naht," unter der Regie vonScott McGeheeUndDavid Siegel(Das Team hinter dem letztjährigen Underseen „was Maisie wusste“) und wurde schon früh verfochten vonSteven Soderbergh, ist ein solcher Fall. Gefilmt in gestochen scharfem, grafischem, gelegentlich grellem Schwarzweiß und so sorgfältig konstruiert, dass sich fast jede Aufnahme wie ein Videokunstwerk anfühlt (ein Lieblingsmoment von uns ist ein Gespräch auf dem Dach eines Autos, das aus einer langsam sinkenden Perspektive aufgenommen wurde). Der Film hat auch die grundlegendsten selbstbewussten filmischen Prämissen: Die beiden Hauptdarsteller spielen nahezu identische Brüder, die im Film niemand unterscheiden kann, die aber von den Schwarzen dargestellt werdenDennis Haysbertund das WeißeMichael Harris, zwei Schauspieler, die sich im Gesicht und körperlich ebenso unterscheiden wie in der Hautfarbe. Doch indem Siegel und McGehee diese faszinierende Idee eindeutig als Dreh- und Angelpunkt für die Offenlegung von Themen der Identität und ihrer sozialen Konstruktion formulieren, verlieren Siegel und McGehee diesen Faden ein wenig und lassen sich, wie der Neuling-Regisseur, von den Noir-Handlungselementen ablenken dass sie auch beinhalten – Doppelgänger, Morde und vorgetäuschte Todesfälle, die in ihrer Komplexität und auch Genre-Vertrautheit leider ein wenig vom wahren psychologischen Mysterium im Kern des Films ablenken. Dennoch handelt es sich um einen überaus einfallsreichen Arthouse-Film, dessen Bilder in den zwei Jahrzehnten seit dem ersten Anschauen bis heute in unserer Erinnerung lebendig geblieben sind. [B+]

„Anpassung” (2002)
Unter der Regie vonSpike Jonze, und geschrieben von Meta-MasterCharlie Kaufman„Adaptation“ ist eine vielschichtige Metabiografie mit mehreren Handlungssträngen über einen Drehbuchautor, der Schwierigkeiten hat, ein Buch zu adaptieren. Dass die Figur Charlie Kaufman heißt (gespielt vonNicholas Cage) ist das erste Riff des Films über Doppelgänger und Identitätswechsel, aber die Tatsache, dass Cage eineiige Zwillingsbrüder spielt, ist zentraler, wobei Bruder Donald nicht nur weniger gequält und weniger talentiert ist als Charlie, sondern ironischerweise natürlich auch erfolgreicher ist. Tatsächlich nutzen Kaufman und Jonze hier die doppelte Einbildung als Mittel, um die Beschäftigung mit der Natur des kreativen Prozesses zu überwinden, wobei Charlie den Selbstzweifel und die Unsicherheit eines potenziellen Genies darstellt und Donald der vom Es getriebene, lockere,Robert McKee-folgender Dilettant. Die endgültige Schlussfolgerung ist natürlich (wie bei so vielen Filmen, die Doubles verwenden, um Vorstellungen von Spaltung und Dualität zu erforschen), dass keiner von beiden und beide Ansätze richtig sind und dass Charlie erst dann sein Drehbuch schreibt, wenn es zu einer Synthese der beiden kommt, was möglicherweise nicht der Fall ist der Film, den er schreiben sollte, aber in Wirklichkeit ist es der Film, den wir gerade gesehen haben. Das wäre wahrscheinlich das einfachste Charlie-Kaufman-Drehbuch aller Zeiten, wenn das alles wäre, aber natürlich fügt er nicht nur die Geschichte des Buches hinzu, sondern auch die Geschichte des Schreibens des Buches, auf dem sein Drehbuch basiert (jetzt nur noch tangential) basiert. Und ein Alligatorangriff. Bei solch einem komplexen Dickicht aus Wahrheit und Fiktion ist es kein Wunder, dass zwei von ihm nötig waren, um es zu schreiben. Wir können nur vermuten, wie viele Alter Egos er ins Leben rufen musste, um sein lähmend brillantes Regiedebüt zu vollenden.Synecdoche, NY.“ [A-]

„Doppelgänger” (1993)
Würden wir der Anweisung unserer Mutter folgen: „Wenn du nichts Nettes sagen kannst, sag überhaupt nichts“, wären wir kaum in der Lage, auch nur ein Viertel unserer kurzen Wörter zu diesem Schrecken zu schaffenDrew BarrymoreFahrzeug, aus der Blütezeit ihrer „Kein Kinderstar mehr, sondern ein total sexy böses Mädchen“-Zeit. Ein schreckliches, schreckliches, gerechtessehr schlechtHandlung, die nahezu jedes einzelne Kästchen abhakt, das es im Sensationshandbuch gibt, in keiner bestimmten Reihenfolge und ohne besondere Logik (Kindesmissbrauch, Wahnsinn, Mord, sexy Tanz, Blasphemie, Verführung, Verrat, unnötige Nacktheit, unnötiges Tragen eines schrecklichen Baseballs nach hinten). In der Geschichte geht es um eine junge Frau, die nach der Ermordung ihrer Mutter nach LA flieht und dort von ihrem mörderischen Doppelgänger verfolgt wird, der einen etwas dunkleren Lippenstift trägt und super gut lauern kann. Etwas, etwas, ein Bruder, der ihren Vater getötet hat (oder hat er?), etwas, etwas, das Psychiater ist (oder ist er?), das ihr Gesicht trägt, etwas, etwas, das sie in zwei blutige Skelette teilt und ihn aus einem Buntglasfenster stößt (oder?). (Tut sie das?) (Nein, wirklich, das tut sie tatsächlich.) Die einzige Freude, die der Film zu bieten hat, ist seine Schrecklichkeit und gemessen an dieser Matrix die Leistung vonUnd Shoreals der FBI-Agent (oder doch?) eine Prügelstrafe einstecken muss, eine Prügelstrafe, die demjenigen vorbehalten sein sollte, der der Meinung ist, dass dieser Haufen Mist grünes Licht verdient. [F]

„Dave” (1993)
Während es fast so etwas wie ein Subgenre von Doppelfilmen gibt, in denen die Ersetzung eines politischen Führers durch einen Doppelgänger beschrieben wird („Der große Diktator," Und "Kagemusha„sind beide an anderer Stelle auf dieser Liste, während „Mond über Parador„ist ein anderes Riff desselben) aus komödiantischen Gründen ist unser Favorit wahrscheinlich dieserIvan Reitman-gerichtet,Gary RossDrehbuchfilm mit dem wahnsinnig sympathischen DarstellerKevin Klineund das vollkommen frostige, aber tauende WetterSigourney Weaver. Das ist natürlich Wunscherfüllungs-Unsinn, eine Art Fantasievision eines anständigen, gewöhnlichen Mannes, der die tief verwurzelte Korruption und den Zynismus der Washingtoner Machtstruktur übertrumpft und in der Zwischenzeit sogar die Liebe einer guten Frau gewinnt, und das alles, während er am meisten verübt ein unverschämt undemokratischer Betrug am amerikanischen Volk, aber die Witze sind albern genug, wenn sie nicht hinterlistig sind, dass die ganze Sache trotzdem angenehm abläuft. Und wirklich, es ist Klines Film, und er ist so gut wie der liebenswürdige, anständige Dave, dass es uns nicht einmal stört, dass der Kontrast zu dem schändlichen, verlogenen Bastard eines Präsidenten, den er ersetzt (und auch spielt), etwas zu übertrieben ist Kompfort.Frank Langellaspielt den Stabschef und Chefmanipulator (Jahrzehnte bevor er den Obermanipulator Richard Nixon spielen durfte), währendBen Kingsleyspielt eine kleine, aber sympathische Rolle als Vizepräsident in einer größtenteils unterhaltsamen, schaumigen Komödie, die aber gelegentlich ihre antikonservativen Zähne mit gutem Erfolg zur Schau stellt. [B]

„Verlassene Autobahn” (1997)
Viel vonDavid LynchIn seinen jüngsten Werken ging es um Doppelgänger, wechselnde Identitäten und die Verschmelzung von Darstellern mit ihren Rollen, und zwar so sehr, dass beide „Mulholland Drive" Und "Inland Imperium„könnte durchaus auch auf dieser Liste auftauchen. Allerdings legen wir zu viel Wert auf unseren Verstand, um über alle drei zu schreiben, und haben daher den ersten seiner Streifzüge in dieses Gebiet ausgewählt, der in vielerlei Hinsicht am häufigsten übersehen wird. Für einen Filmemacher, der sich nie wirklich mit der Idee linearer Erzählungen beschäftigte, stellte „Lost Highway“ den ersten richtigen Blick auf die zukünftige Reise dar, auch wenn er möglicherweise nicht das gleiche Maß an Fülle, Textur und Gefühl erreichen würde Das "Mulholland Drive” würde, es ist immer noch eine ziemlich faszinierende Übung in Mindfuckery, wenn Sie Lynch-Fans wie wir sind. HierPatricia Arquetteübernimmt eine Doppelrolle (Renee/Alice), währendBill Pullman(Fred) undBalthasar Getty(Pete) spielen verschiedene Männer, die sich zu verschiedenen Zeitpunkten ineinander verwandeln. Die stark stilisierte, kreisförmige, vom Noir beeinflusste Handlung, in der Fred wegen Mordes an seiner Frau Renee in die Todeszelle geschickt wird, sich dann in seiner Zelle in Pete verwandelt, der dann freigelassen wird und eine Affäre mit der Geliebten seines Chefs, Alice, beginnt. ist so kompliziert und rätselhaft, dass es für jeden frustrierend sein kann, der ein noch intensiveres Erlebnis sucht. Aber aus einer anderen Perspektive eignet sich der ungewöhnlich klinische Ton, den Lynch hier zum Ausdruck bringt, auch für eine größtenteils intellektuelle Übung zur Genre-Dekonstruktion, und eine clevere, wenn Sie bereit sind, zu investieren. [B-]

„Dead Ringers” (1988)
Eineiige Zwillinge sind seit Shakespeares Zeiten ein fester Bestandteil des Geschichtenerzählens (z. B. die Scherze von „Die Komödie der Fehler" Und "Zwölfte Nacht“) bis hin zum modernen Seifenopern-Thema, einen beliebten Schauspieler nach dem Tod seiner Figur durch diese praktische Wendung zurückzuholen. Aber was diesen Cronenberg-Film hier zu einer notwendigen Einbeziehung macht, ist nicht so sehr der Zwillingsaspekt, sondern vielmehr die Art und Weise, wie der Regisseur ihn mit seiner charakteristischen kühlen Vernunft in den Bereich der verschwommenen Identität und der fragmentierenden/verschmelzenden Persönlichkeit bringt, den Bereich des Doppelgängers. („Die Elternfalle„Ist es nicht). In gewisser Weise ist hier die Apotheose von Cronenbergs distanziertem Stil mit dem schmutzigsten Material verbundenJeremy Ironsspielt die Zwillinge, beide Gynäkologen, was ehrlich gesagt schon das oogieste aller Konzepte ist, noch bevor sich herausstellt, dass sie ihre Sexualpartner häufig umziehen und in halluzinatorischen Wahnsinn verfallen (die „gynäkologischen Instrumente zur Operation mutierter Frauen“ müssen dazu gehören). die verstörendsten Requisiten, die jemals für einen Film entwickelt wurden). Ihre widerwärtige symbiotische Beziehung, die immer destruktiver wird, wenn sie durch die Beziehung zu einer bestimmten Frau beeinträchtigt wird (Genevieve Bujold, das zum zweiten Mal auf dieser Liste erscheint) sollte eigentlich der Stoff für ein Potboiler-Melodram sein, aber Cronenbergs strenge, eisige Tonkontrolle macht dies weitaus heimtückischer, als seine anzügliche Handlung vermuten lässt, und liefert eine zwielichtige Handlung, die irgendwie nicht nach Blut und Blut stinkt. aber antiseptisch. Und wir lieben den Geruch von Antiseptika. [B+]

"Besessenheit"(1976)
Mit "Besessenheit„De Palma und DrehbuchautorPaul Schradermachte sich an die Neukonfiguration“Schwindel” als umfangreicher, generationenübergreifender Southern-Gothic-Thriller voller Mord, Intrigen und möglichem Inzest. WennCliff RobertsonSeine Frau und sein kleines Kind werden bei einer verpatzten Entführung getötet, er wird von Schuldgefühlen geplagt, doch zwanzig Jahre später geschieht etwas Wunderbares, als er einer Frau begegnet, die genau das Double für seine tote Frau sein könnte (gespielt von derselben Schauspielerin).Genevieve Bujold). Er verliebt sich in sie, wird jedoch Opfer eines Entführungsplans, der unheimlich an die ursprüngliche Operation erinnert, bei der seine Frau und sein Kind getötet wurden. (In Schraders verrücktem Originalentwurf gab es einedritteAbschnitt, in dem die Ereignisse noch einmal wiederholt wurden und in der nahen Zukunft spielten.) Während De Palmas Originalversion die große Wendung mehr in den Vordergrund rückte (SPOILER(Die neue Frau, in die sich Robertson verliebt hat, ist in Wirklichkeit seine Tochter.) Die veröffentlichte Version wurde durch die Andeutung gemildert, dass der Inzest-Aspekt ein Traum war. Es macht zwar nicht viel Sinn, passt aber auf jeden Fall zur diffusen, traumhaften Ästhetik des Films (hauptsächlich erreicht durch …).Vilmos Zsigmondist verschwommene Kinematographie undBernhard Herrmann„s überwältigend romantischer Filmmusik“) und bekam einen Film mit einer Inzesthandlung mit PG-Einstufung. Die Doppelgänger in „Obsession“ sind die wörtliche Darstellung der Sünden der Vergangenheit, die in der Gegenwart wieder aufgegriffen werden, und sie dienen als Abkürzung, um De Palmas Werk mit Hitchcocks meisterhaftem Original zu verbinden. Obwohl es häufig übersehen wird, ist „Obsession“ ein solider Eintrag im Kanon von De Palma, bei dem es schwierig ist herauszufinden, was real ist und was nur dunkle Tinte auf dem Spiegel ist. [B]

„Schwarzer Schwan” (2010)
Trotz all seiner halluzinatorischen Bilder und erschütternden Erzählwendungen,Darren Aronofsky'SSchwarzer Schwan„konzentriert eine Reihe von Klischees zu einem sehr direkten Ergebnis; Es ist eine Erforschung ungebundener Geisteskrankheiten auf der Ebene vonRoman Polanski'S "Abstoßung“ – wenn sich die ganze Zweideutigkeit dieses Films auflöste und man nur noch übrig bliebeCatherine Deneuveschreit seine Themen in die Welt. Aber Aronofskys Thriller ist letztendlich dennoch erfolgreich, weil er seine Gothic-Konventionen so intensiv und meisterhaft präsentiert: Die heimgesuchte Heldin (Natalie Portmans Ballerina Nina Sayers), die parasitäre Mutter (Barbara Hershey) und natürlich der Doppelgänger.Mila Kunistritt schon früh als Lily ins Bild, die professionelle Rivalin von Nina und ihrer engagierten Tanzkarriere, und dass sie als Ninas dunklere Hälfte fungieren könnte – befreit, impulsiv, räuberisch – ist für Aronofsky kein Erzählgeheimnis. Während Lily Nina langsam mit Paranoia, Verlangen und einem noch größeren Bedürfnis nach Perfektion infiziert, nutzt der Regisseur jede reflektierende Oberfläche, um Ninas unterdrückte Gefühle zu vermitteln, die nun vor ihr veräußerlicht werden. Die viszerale Natur von Aronofskys Filmemachen, gepaart mitClint MansellIn seiner treibenden klassischen Partitur wird Ninas allmähliche Verwandlung großartig, grotesk und (zum Glück) gelegentlich humorvoll dargestellt; Es ist Portmans engagierte Leistung, die es intim und tragisch macht. [B]

„Besitz” (1981)
Andrzej ZulawskiDie wilde, verrückte und schreckliche psychologische Horror-Monstrosität von 1981 ist eigentlich ein Film mit Doppelgängern:Isabelle Adjanispielt Anna und Helen, unerklärlicherweise identisch aussehende Frauen, die beide in eine Beziehung verwickelt sindSam Neillist der Charakter, der am Ende des Films selbst mit seinem Spiegelbild konfrontiert wird, allerdings nicht ohne reichlich Psychosen, Verrat, Blutvergießen und bemerkenswert anschaulichen Sex mit tentakelbewehrten Wesen von unsicherer und beunruhigender Herkunft: Die Handlung als solche zu beschreiben, ist nichts Neues Eine etwas sinnlose Übung, da es sich hauptsächlich um eine Übung in Bezug auf Stimmung, Atmosphäre und psychologische Evokation handelt. Es handelt sich um eine französische Produktion, die wirklich mehr an Żuławskis Heimat Polen erinnert und im Berlin des Kalten Krieges spielt: Es ist eine sehr osteuropäische Geschichte von Spionen, Paranoia und namenlosen, zermürbenden Ängsten, wie dem wahnsinnigen, tentakelbewehrten Liebeskind vonKafkaUnddas Quadrat. Die Trostlosigkeit des Ostblocks kommt auch in den Farben zum Ausdruck, verwaschene Grau- und Blautöne bilden den Hintergrund für zahlreiche Spritzer entsetzlich lebendigen Blutes. „Possession“ ist auch ungewöhnlich, um einen weiteren, seltenen Akt der Verdoppelung zu erreichen: Es ist sowohl ein hochwirksames Stück psychologischen, mentalen Horrors als auch ein unglaublich kraftvolles Beispiel viszeralen, physischen Horrors. Wenige Filmemacher vor oder nachher haben diese Kluft so gut überwunden wie Żuławski, und so kann man ihm verzeihen, dass der Film mehr oder weniger ständig übertrieben und übertrieben ist und häufig zur Absurdität neigt: Auf diese Weise ist er effektiver. [B+]

„Schizopolis“ (1996)
Der Film, der gerettet hatSteven Soderberghs Karriere—Der Filmemacher war zunehmend frustriert über seine Arbeit„Sexlügen und Videoband“ und feierte nach diesem Gaumenreiniger seine größten Erfolge – „Schizopolis„ war der bis dahin eigenwilligste und experimentellste Film von Soderbergh. Das größtenteils vom Regisseur finanzierte Projekt spielt auch Soderbergh selbst als Bürodrohne Fletcher Munson, der für einen Guru vom Typ L. Ron Hubbard arbeitet, und Dr. Jeffrey Korchek, einen Zahnarzt, der eine Affäre mit Munsons Frau hat (gespielt). von Soderberghs eigener Ex-FrauBetsy Brantley). Wir möchten nicht wirklich den Eindruck erwecken, dass der Film eine tatsächliche Handlung hat – es ist ein abschweifendes, unruhiges Werk, verspielt und doch akademisch, und vor allem von der Sprache besessen (im ersten Abschnitt sprechen die Munsons völlig in Beschreibungen („Generische Begrüßung.“/„Generische Begrüßung zurückgegeben“), während der dritte Akt einen Teil der Handlung auf Japanisch oder Französisch wiedergibt. Daher spielt die Verdoppelung nur einen relativ kleinen Teil des Ganzen, ist aber dennoch faszinierend anzusehen Action, teils wegen der Art und Weise, wie alles durchweg vielschichtig ist (Mrs. Munson bekommt auch ihren eigenen Double, in den Korchek sich ebenfalls verliebt), und teils wegen der Art und Weise, wie diese Doubles besetzt sind: Indem er die Doubles selbst spielt, scheint Soderbergh zu graben in die Dualität von Mensch und sich selbst, noch expliziter als andere in diesem Genre. [B+]

„Der große Diktator” (1940)
Nur ein Jahr nach Beginn des Zweiten Weltkriegs veröffentlicht,Charlie ChaplinAnschließend sagte er, dass er, wenn er damals von den Schrecken der Konzentrationslager gewusst hätte, nie „Der große Diktator“ gemacht hätte, der damals vielleicht den Anschein erweckte, als würde er die Unmenschlichkeit des Nazi-Regimes aus komischen Gründen übertreiben, im Nachhinein jedoch tatsächlich bleibt weit hinter der undenkbaren Wahrheit zurück. Aber es ist immer noch ein vorausschauender Film, insbesondere angesichts seines Timings – tatsächlich wurde Chaplin während der Produktion mitgeteilt, dass der Film in Großbritannien verboten werden würde, da sie immer noch ihre Beschwichtigungspolitik gegenüber Nazi-Deutschland verfolgten (auf jeden Fall wurde er dort stark beworben). und äußerst erfolgreich). Chaplin spielte die Doppelrolle des Adenoid Hynkel, des größenwahnsinnigen Diktators mit einer Vorliebe für Wagner, und des jüdischen Friseurs, der ihm so ähnlich ist, dass man sie verwechselt. Außerdem schrieb und inszenierte Chaplin den Film, seinen ersten richtigen Tonfilm. Und während die Knockabout-Doubles-Handlung auf den gleichen Erfindungen beruht wie neuere Riffs wie „Mond über Parador" Und "Dave„Die Schärfe dieses Unterfangens ist immer noch atemberaubend und gelegentlich, wenn die Satire in Albernheit ihresgleichen sucht, sehr lustig, wie im Pidgin-Deutsch, kurz und bündig von einem Erzähler im BBC-Stil übersetzt. Dass all die Essensschlachten, das Platzen des Gürtels und die Stürze in einer mitreißenden, minutenlangen Rede gipfeln, die ein beredtes Plädoyer für Toleranz und Frieden ist, das nicht von dem als Hynkel verkleideten Friseur, sondern direkt von Chaplin zu kommen scheint an die Menschen einer vom Krieg heimgesuchten Welt, lässt uns bis heute in Trümmern zurück. [A-]

„Der Mieter” (1976)
Wenn es jemals einen Meister der Schnittstelle zwischen gruseligem Horror und ironischer Komödie gab, dann vielleichtRoman PolanskiWährend seiner Laufbahn zwischen Ende der 60er und Mitte der 70er Jahre lieferte er so seriöse, komische und Horror-Meisterwerke ab wie „Abstoßung" Und "Rosemarys Baby.“ Gegen Ende dieser fruchtbaren Zeit"Der Mieter„ erschien und wird nach den beiden oben genannten als dritter Teil seiner psychisch klaustrophobischen „Wohnungstrilogie“ bezeichnet. Im Mittelpunkt steht Trelkovsky, ein bescheidener, naiver junger Mann, der in einem gruseligen Gebäude ein Zimmer in der Hölle mietet. Nur wenige Tage zuvor war die verstörte ehemalige Mieterin in einem hysterischen Selbstmordversuch aus dem Zimmer im zweiten Stock gesprungen, und nach dieser Entdeckung besucht Trelkovsky sie im Krankenhaus; Sie stirbt kurz darauf. An diesem Punkt beginnt er, von ihr – ihrer Geschichte, ihren Gewohnheiten – besessen zu werden, und während die anderen Nachbarn ihn mit Misstrauen und Verachtung behandeln, wird Trelkovsky zunehmend paranoid, bis ihn der Wahnsinn überkommt und ein Cross-Dressing-Persönlichkeitsdouble auftaucht. Wenn in den ersten beiden Filmen der Trilogie psychische/emotionale Zusammenbrüche und soziale Entfremdung ausgenutzt wurden, dann verwendet „The Tenant“ diese Themen mit einem wahnsinnigen Schuss Humor, den Polanksi wohl noch weiter vorantreibt als bei „Rosemary's Baby“, und das auch noch wurde damals schlecht aufgenommen (viele waren entweder nicht in der Lage, seinen tonalen Tanz zu verstehen oder hatten das Gefühl, dass er im Vergleich zu „Rosemary's Baby“ schlecht war), hat sich in letzter Zeit seinen Platz als Kultklassiker gesichert (undKriterium, wenn Sie den eher trockenen Polanski-Film veröffentlichen wollen“Tess„Was ist hier los?) [B+]

„Kagemusha“ (1980)
Nach einem relativ ruhigen Jahrzehnt (das atypische Meisterwerk von 1975)Dersu Uzula„war sein einziger Film in den vorangegangenen zehn Jahren, da er die meiste Zeit über unter Depressionen gelähmt war.Akira Kurosawakam brüllend zurück mit seiner atemberaubenden Rückkehr zum Samurai-Epos, die eine produktive Schlussphase im Werk des japanischen Meisters einläutete. Eine östliche Version einer bekannten Handlung, die von „Der Mann mit der Eisernen Maske" Zu "Der Gefangene von Zenda,„Es sieht einen namenlosen Dieb (Tatsuya Nakadai) springen ein, um den toten Kriegsherrn zu ersetzen, mit dem er eine verblüffende Ähnlichkeit hat, um den Clan zusammenzuhalten. Der Kagemusha nimmt die Aufgabe unerwartet an, verliert dadurch aber schon bald mehr oder weniger den Verstand. Für einen dreistündigen Film ist es eine relativ einfache Geschichte, aber Kurosawa findet in seiner Titelfigur echten psychologischen Realismus – es ist einer der überzeugenderen Einblicke in das, was es bedeutet, in den Schuhen eines anderen Mannes zu schlüpfen, dank einer atemberaubenden Leistung von Nakadai ( wer ersetzte „Zatoichi" SternShintaro Katsu, der nach dem ersten Tag ging). Und natürlich ist es wirklich spektakulär. Kurosawa war sauber und farbenfroh gefilmt und hatte Jahre damit verbracht, es mit Storyboards und Gemälden zu planen, und es zeigt Kampfszenen in einem Ausmaß und Umfang, die Kurosawas frühere Samurai-Bilder in den Schatten stellen (nur die nachfolgenden „Ran,“, das sehr als Begleitstück dazu dient, kann es in diesem Genre übertrumpfen). Bei der breiten Öffentlichkeit ist es vielleicht etwas weniger beliebt als das bekannteste von Kurosawas Bildern, aber auch wenn es manchmal genauso uneinheitlich ist, finden wir es genauso nahrhaft. [A-]

„Seltsamer Identitätswechsel” (1946)
Ein früher Eintrag in der Filmographie vonAnthony Mann, der später enger mit dem Western-Genre in Verbindung gebracht wurde, darunter „Winchester '73, „ „Der Mann aus Laramie„und Gewinner des besten Bildes“Cimarron„Strange Impersonation“ zeigt Mann, wie er sich mit dem Film-Noir-Genre auseinandersetzt, mit zunächst faszinierenden, aber letztendlich dumm überzogenen Ergebnissen. Heutzutage fast LOL-würdig wegen der Tragweite seiner Geschichte, die im Grunde eine ausführliche warnende Geschichte darüber ist, wie Frauen, egal wie beruflich talentiert, so schnell wie möglich heiraten sollten, sonst werden ihnen schlimme Dinge widerfahren. Der Film folgt wunderschön, Die kluge Chemikerin Nora (Brenda Marshall), als sie Opfer der Intrigen ihrer vertrauenswürdigen Assistentin Aline wird (Hillary Brooke), während er separat von einer dritten Frau, Jane (Ruth Ford), den sie in einem Handgemenge tötet. Jane fällt (komischerweise) direkt auf ihr Gesicht und wird mit Nora verwechselt, was zu Nora passt, die sich dann einer Operation unterziehen muss, um wie Jane auszusehen, und ihre Rache an der doppelzüngigen Aline plant, die jetzt mit ihrem Ex-Verlobten verheiratet ist. Alles klar? NEIN? Nun, von da an wird es noch alberner, da die schreckliche Unzuverlässigkeit der Frauen nur geringfügig ausgeglichen wird, aber die schiere Dummheit der Männer, insbesondere der Verlobten/Ehemann-Figur, die wie ein Flipper zwischen allen verfügbaren Frauen hin- und herwechselt. Möglicherweise sind Sie gerade dabei, das Handtuch zu werfen, als der Film mit seiner lächerlichen Schlusswende genau das tut. Nicht alles Noir ist edel … [C-]

„Mond” (2009)
„Moon“, einer unserer Lieblings-Science-Fiction-Filme der letzten Jahre, steht auch symbolisch für eine andere Unterkategorie des Doppelfilms – den Klonfilm. Aber wir haben uns entschieden, es anderen Beispielen vorzuziehen wie „Die Insel" oder "Lass mich niemals gehenDenn hier treffen sich die Klon-Doppelgänger von Angesicht zu Angesicht und verbringen einige Zeit mit der Interaktion, wodurch die ontologischen Fragen zu Identität, Menschlichkeit und Erinnerung in Frage gestellt werden, die in den besten Doppelgängerfilmen immer angesprochen werden. Das Beste aus einem wunderbar schlichten, retro-futuristischen Produktionsdesign herausholen, das mit einem knappen Budget viel leistet,Duncan JonesDer Film folgt Sam (Sam Rockwell) ein Mondastronaut, der auf der anderen Seite des Mondes einen dreijährigen Bergbauvertrag durchführt. Wenn sich ein Unfall ereignet, wacht Sam auf, ohne sich daran erinnern zu können, setzt aber Hinweise zusammen, bis er rausgeht, um eine etwas ältere Version seiner selbst zu entdecken, bewusstlos, aber lebendig an der Absturzstelle. Die Beziehung zwischen den beiden, die zunächst heikel und misstrauisch war, sich aber mit der Zeit weiterentwickelte, wird von Rockwell in beiden Rollen wunderschön und subtil gespielt, und selbst die leichte Enttäuschung im Epilog des Films kann die schöne, menschliche Einsamkeit und Sehnsucht, die sie ausstrahlt, nicht völlig zerstören Der Rest des Films ist so bewegend. Trügerisch einfach, ist es ein Beweis dafür, dass es bei Science-Fiction oft die stillsten Gewässer sind, die am tiefsten sind, und es ist das größte Kompliment, das wir machen können, wenn wir sagen, dass es seinen Platz neben anderen Meditationen außerhalb dieser Welt einnimmt wie „Stilles Laufen, „ „2001" Und "Solaris.“ [A-]

Anerkennungen:Unter den Titeln, die wir für die Aufnahme in Betracht gezogen haben, tauchte auch die jüngere Geschichte aufMike CahillUndBrit Marling'S "Eine andere Erde" und dasDominic CooperFahrzeug "Des Teufels Doppelgänger” als Filme, die mit der Einbildung gespielt haben. Zu den bekannteren Gerichten gehört außerdem der Disney-Klassiker aus den 1960er-Jahren.Die Elternfalle" und seinLindsay Lohan-Hauptdarsteller Remake, Swashbuckler“Der Gefangene von Zenda,” verschiedene Adaptionen von „Der Prinz und der Bettler,” und mehrere TakesAlexandre Dumas„“Der Mann mit der Eisernen Maske“ (das 1998Leonardo DicaprioDie Aufnahme mit der Hauptdarstellerin ist wahrscheinlich die bekannteste, wenn auch ausdrücklich nicht die beste.

Preston Sturges' Großartig "Die Palm Beach-Geschichte”Merkmaleeinige verdoppeln sich, ebenso wie die Komödie von 1988 „Mond über Parador," mitRichard Dreyfussals Schauspieler, der gleichzeitig die Rolle eines südamerikanischen Diktators übernimmtFrank OzUndSteve Martin„ist ausgezeichnet“Bogenfinger.“Bertolucciist 1968“Partner(das muss gesagt werden, gehört nicht zu seinen besseren Filmen) adaptiert denselben Dostojewski-Roman, der Ayoades „Der Doppelgänger.“ Schließlich haben wir auch darüber nachgedachtRobert Altmann'S "Bilder" UndIngmar Bergmann'S "Persona,„Aber obwohl sie tangential miteinander verwandt sind, handelt es sich nicht unbedingt um Doppelgängerfilme, sondern es geht vielmehr um die Verschmelzung von Persönlichkeiten, die wir, wenn Sie sich diesen Raum ansehen, möglicherweise als ganz separate Filme betrachtenBesonderheitirgendwann bald. Teilen Sie uns aber gerne mit, welche Filme Sie nach dem Anschauen ggf. vor Ihrem eigenen Spiegelbild zum Staunen gebracht haben. —Jessica Kiang, Oli Lyttelton, Rodrigo Perez, Ben Brock, Charlie Schmidlin und Drew Taylor